¿Cómo llegas al mundo de la escultura?
Desde chica, cuando era una adolescente, estuve tomando clases de cerámica y dibujo con Cristina Gálvez. A través de ella se armaron grupos de amigos. Cristina me acercó a ese mundo que me pareció muy atractivo. Desde chica quise pertenecer a la “naturaleza” de los artistas. En el colegio me atraían las clases de arte y, posteriormente, decidí postular a la universidad.

¿Alguna vez dudaste entre la escultura y la pintura?
Nunca dudé. Sabía que necesitaba objetos. Que los objetos no estuvieran en dos dimensiones, sino, que los pudiera tocar, sentir.

¿Qué es lo que te inspira para crear tus objetos?
Hago dibujos. Hago diseños. No todos los días, pero continuamente. Llega un momento en que después los reviso. Al revisarlos veo que hay un proyecto. Eso pasó con esta última exposición donde visualicé columnas, lanzas y tablas. Comencé a buscar la madera para empezar a trabajar.

¿Qué tipo de madera has utilizado?
Las piezas grandes son de huayruro que es una madera amazónica. Los trabajos de los queros son de huarango que es una madera del desierto. Es madera difícil de conseguir en el mercado.

¿Qué materiales son tus predilectos?
Creo que la madera. Me va muy bien con la madera para mis diseños. Se adapta y es muy fiel a mis trabajos. La piedra es un material más animal, más salvaje. Tienes que dejarla hablar por sí misma para que respire. La madera la puedes llevar al extremo de dejarla completamente pulida y es muy noble.

Cuando empiezas un proceso creativo ¿te mueve una idea o una sensación?
Es el final de un proceso visual. Significa que he mirado tantas cosas en un periodo de mi vida que necesito volcar mi trabajo en dibujos. Ahí aparecen las cosas que vi. Luego las interpreto. Por ejemplo, los queros que son objetos ceremoniales incaicos y coloniales son una derivación de algo que vi. Lo mismo sucede con algunas columnas y con las boyas que parten de una reflexión: tomo como referencia las boyas de los langostineros de Nueva Inglaterra. Podemos ver también una pieza que sale de las agujas de plata que utilizan las indias para sujetar sus mantos.

¿Eres disciplinada?
Soy bien disciplinada. Lo primero que hago al despertarme es hacer un poco de ejercicio. Después, a partir de las diez de la mañana, estoy en el taller. Eso es todos los días. El trabajo artístico es muy agotador. No puedes trabajar con horario de oficina. Demanda mucho a nivel mental. Uno a las seis de la tarde ya está destruido. Exige mucha concentración.

¿Trabajas con ayudante?
Sí: las cosas del pulido, la lijada de las piezas. Todo esto sujeto a la economía, porque es un costo.

¿Cuánto tiempo te has demorado en hacer esta muestra?
Deben haber pasado dos años. Paralelamente he hecho un par de colectivas y otros proyectos.

¿Qué significan los elementos andinos que expresas en tus objetos?
El mundo andino es parte de nuestra cultura. Somos un país andino. De ellos tenemos objetos maravillosos de madera, piedra, las mismas mantas. Un artista puede verse maravillado e influenciado por objetos y seres que están en esas visiones andinas. Es inevitable y fascinante. Es un mundo muy rico y, muy sólido a nivel artístico.

Esta muestra ¿tiene un concepto que la unifique?
Lo que la unifica es mi propio diseño que está alrededor de los diferentes personajes. Mis piezas, que son diferentes, están unidas por estos zorros, estos felinos que caminan por todas las obras. Entonces consigo una unidad. No hay divorcio entre las salas.

¿Y cuál es tu interés por el mundo animal?
No tengo un interés por ningún animal. Tengo interés por el mundo del arte. Son herramientas o excusas para seguir diseñando. A través de estos animales puedo hacer un estudio de mis diseños y con ellos lograr expresiones. Colocarles sonrisas y miradas. Puedo hacerlos caminar e incluso conseguir una animación.

¿Pero esto lo podrías hacer con una persona?
Sí. Tal vez me he enganchado a los animales a través de las animaciones de la televisión. Para mí, el dibujo animado era un universo fascinante. Los animales hablaban, tenían ropa. Ellos eran los protagonistas de la vida. He llevado esa fantasía a mi obra.

¿Por qué el zorro?
Es un animal feroz. Me gusta crear esa sonrisa malévola. El zorro era perfecto para conseguir la expresión agresiva por un lado y mansa por otro. Te podías acercar y no te mordía.

¿Te interesa expresar el humor y trabajar con el juego?
Por lo general mi trabajo es así. No sé si en esta exposición se consigue tanto la ironía. Pero en otras piezas anteriores el humor es más claro. Creo que en las esta muestra hay un trabajo más de diseño, de la forma. No sé. La verdad es que uno es un mal juez de su propio trabajo. Hablar no es tan fácil. Destaco la forma sin que sea solamente hacer la forma por la forma porque sino las piezas mueren.

¿Hay algún significado especial en los anillos que has hecho en tus Queros?
Para mí es el trabajo de la forma. Para el presentador de mi catálogo, el profesor Cummins, los anillos son una especie de relación con los mismos anillos que crecen en el tronco del árbol. Él sentía que hacía alusión a la vida y una descripción del tiempo. Me parece una lectura muy interesante. No tenía esa intensión.

¿Cuál era tu intensión?
Pienso que el artista es una esponja de visiones. El arte, y lo que uno, es la suma de miles de imágenes que uno recibe para manifestarlo en su creación.

¿Qué representa para ti exponer?
Creo que es importante. Uno expone para relacionarse con los demás. Para que los demás tengan la experiencia con el trabajo de uno. Puede parecer un poco egótico. Uno quiere compartir el trabajo, la expresión, el diseño que una ha hecho con los otros. Al final es simplemente comunicar.